2009年4月10日，曾梵志个展在苏州博物馆拉开帷幕，本次个展以“与谁同坐”为主题。由于该场馆由贝聿铭设计，加上曾梵志的当代艺术品屡次拍卖出天价，本次个人主题展被广泛关注。个展集中展映了曾梵志《太湖石》和《风景》系列等多年尝试的抽象绘画作品，表现出作者在苏州园林中寻求传统文化与当代艺术交融的历程。

　　个展灵感

　　来自苏州园林

　　曾梵志在接受采访时表示，“我很早就想在苏州做展览，我喜欢苏州的园林，经常去看，会很激动，情不自禁地把内心的冲动带到画里。我知道《风景》系列的灵感来源和苏州园林、中国传统文化有一点关系。比如石头，很美，是最早的抽象艺术。中国古人很早就在欣赏抽象艺术了。”

　　曾梵志说：“庭院里的石头有抽象的审美。中古艺术家和文人对这些有感觉。我一直很喜欢传统文化，过去喜欢的程度和现在不一样。年轻时候看着高兴，但一转眼又被西方艺术吸引过去了。现在对传统艺术喜欢得一定要将它们搬回到家里。从上世纪90年代末起，传统文化开始影响我的创作。”

　　为个展五赴苏州

　　画面，是曾梵志了解世界的方式。他说，“苏州园林，在我的记忆中也是童年黑白的画面。我对江南印象的开始不是苏州，而是杭州。9岁那年，母亲带我去看西湖时还是小孩，觉得很好玩，印象最深的是西湖的桂花全都开了，那种气息给我印象很深。”

　　曾梵志就是这样喜欢上江南的环境，之后几乎去过了所有苏州大大小小的园林。苏州博物馆馆长邀请他去那里做个展，对曾梵志来说，是一个很自然的事。

　　在苏州博物馆做展览，首先要去掉人物和有形象的东西，那些会破坏环境。苏州博物馆的空间比较小，但环境可以说是国内最好的，尤其是蕴藏着古典园林之气。关于布展，曾梵志想到的还是“画面”，“策展方案我想好了，但不是落实在文字上的东西。我全部用想象看了一遍，我进去碰见谁了，第一件作品挂在哪里，朋友们观赏时的反应，第二面墙挂什么画……我带着负责布展的人看了一遍，用想象可以找到环境进入。”

　　左右开弓的画家

　　曾梵志向记者透露了他绘画的一些秘密。“我画画也是用画面构思，先是白布放在那里，再想最后完成的效果。我一定要看清楚它最后的样子再动笔。有时很清楚，有时模糊，画了一半还要修改。中国绘画讲究胸有成竹，而我不是，我的作品很偶然，有破坏性的、有些错误的东西组合在一起又完整了，和中国水墨不一样，在创作手法上颠覆传统，但骨子里还是继承了很多传统文化。”

　　曾梵志承认技术对创作的重要性，虽然很多先锋正在否定技术。“技巧非常重要，我整天想的就是把画画好，一直在研究每个大师的技术，一直在练习。技术是帮助你把能够想象的东西完美表达，这种技术是你创造的，不是模仿谁的。”

　　曾梵志说，在筹备4月在苏州和纽约的两个个展的同时，他还是每天用左右手同时画画，不仅是油画，还有水彩铅笔画和铜版画。

　　画抽象画

　　是受文人启发

　　谈到第一幅抽象风景画的创作，曾梵志说，“其实我画《面具》系列的时候也同时在画一些抽象的系列，只是还不成熟。2002年时，我受一件东西影响，画了这张画《无题》。那是一幅乱笔画就的抽象画，线条的韵律幻化成古乐的节奏，远看好似某种植物。”

　　“那时候我在燕郊的工作室亲手种了一株紫藤，我观察它春夏秋冬的变化，我们在紫藤下喝茶、聊天，冬天就欣赏它的枯枝，我发现中国文人观察紫藤粗细线条的变化特别有意思。文人喜欢用线条来表达。受紫藤的启发，我画了这幅作品。也就是现在《风景》系列的第一张。从2002年到2009年，我用7年时间创作《风景》系列，从刚开始陌生的感觉和冲动，不知自己会画出什么，到现在你看到成熟的作品，中间过渡了许多不同的形态。我始终觉得2002年画的这一幅最纯粹，我舍不得卖掉。”

　　曾梵志特别向记者推介了此次个展中的一幅《无题》画作，此作品长宽5米，画面四周漆黑，只有枯枝线条分割画面和色彩的明暗，画面远处的光亮传达给观者微妙的诱惑，很复杂(见上图)。曾梵志自己很满意这幅作品：“每个人对颜色的理解不同，有的人觉得绿色恐惧，有的人觉得紫色恐惧。蓝色则表现神秘或安静。我把颜色的层次变化，线条的粗细与节奏的变化当成抽象的东西去理解。西方人会理解为线条，中国人会想象成形状。

　　例如文字，中国人的象形文字，在中国人看来似乎像一件东西，而西方人则看到线条带给他情绪的波动。”

　　作者简历

　　1964年生，武汉人。1991年毕业于湖北美术学院油画系。现为职业画家。

　　其画作《面具系列1996 No.6》(见上图)曾在去年香港佳士得春季拍卖会上以天价7536万港元成交。该画作是曾梵志1996年的作品，当时他刚结婚及搬往北京，画中人物虽戴着面具，却流露欢愉情绪。