传统中国画强调散点透视、平面构成、意象造型 、书法用笔，其技巧、形式与表现的内容极为一致，因而也称为写意画。在经过千百年的磨合与实践，在技法和理论上形成了一套严格的规范法则。这些道理不用多讲，想来看官也早以熟记于心了。我想讲的是，写实水墨人物画，这个“写实”与传统的“写意”有些不同。它是以焦点透视、立体、具象为骨架的造型方法，在强调书法用笔时，还要加进解剖透视的概念。由于写实人物走步晚，从实践经验到绘画理论都不够完善，以前大部分人也把这种新生的画种泛叫“写意画”。同时用传统中国画的写意理论要求它，对写实水墨人物画的发展造成了很大的障碍和混乱。
这一新画种，我们既熟悉又陌生：熟悉是因为它在前几十年曾独领风骚，给我们的时代留下了烙印；陌生是大家对它缺少深入系统的再研究。
写实人物画，是中西各半的混血儿。它的出现大大丰富了中国画的技法和表现能力，填补了传统中国画没有科学解剖和透视的不足，一改大头小身子、歪房斜桌子的毛病，无论人物、景物都有了一个科学的比例。由于从散点透视转为焦点透视、从平面转为立体、由意象造型转为具象造型，原有的笔墨也相应调整，在保证原有笔墨标准下，加入科学的解剖透视，或者说在强调素描造型时，保持中国画的精神和味道。只有传统功夫，没有素描基础画不好，反过来，只有素描功夫没有传统笔墨基础也不行。其实这是一种新的表现方法，即焦点透视下的笔墨，或称它为笔墨白话化。比如：李可染的山水画就是一个例子，他的画与传统山水画最大的不同也正在这里，他保持了传统山水画技法中的厚重、老辣、苍润，同时加入了“结实”。
经过几代人的努力，这种技法上的矛盾、距离逐渐在缩小、在完善。徐悲鸿、蒋兆和之后的方增先、周思聪、卢沉等，他们早期风格的作品，如《说红书》《人民和总理》《机车大夫》等等，如果不谈内容和创作思想，单从形式和技法上来说，都是这种画法的成功范例。
不了解写实人物画的历史与形成，而一味地用黄宾虹、齐白石的标准和“写意”理论指导它、规范它，其问题就会越来越多，路子就越走越窄。比如：写意画中常说的“得意忘形”或“似与不似之间”，对于正在打基础的学生，就是一种干扰，这位老师要求把形画准确，可那位老师又说可以忘形、似与不似。这种教学，怎么能不让这些年轻的学生产生混乱和困惑呢？尤其是“八五”新潮后，各种现代观念的冲击使本来问题多的写实水墨人物画跌入谷底。有些学生干脆绕开这些矛盾，改画工笔画、现代水墨，把心思完全放在创新和变形上，放弃了基础训练和学习。于是我们看到，近年的展览会上很少见到有写实水墨人物画作品。这些问题的出现，算不算学术问题？能否引起大家的注意呢？